Crítica de 'Hazel Eyes' de Sam Smith: quién iba a decir que el artista acabaría haciendo este álbum

Hoy, 21 de agosto de 2026, Sam Smith publica Hazel Eyes, su quinto álbum de estudio, a través de Capitol Records. Llega tres años después de Gloria, el disco que llevó su imaginario hacia el exceso y una liberación queer mucho más explícita gracias, entre otras cosas, a Unholy. Hazel Eyes llega desde otro lugar.

El título se refiere a los ojos color avellana de Christian Cowan, el prometido de Smith y protagonista de buena parte del álbum. Cowan y Smith llevan tres años juntos y el artista ha contado que muchas de estas canciones nacieron alrededor de esa relación. La otra gran presencia del disco es Nueva York, ciudad a la que Smith se trasladó y que se ha convertido también en parte de esta nueva etapa personal y creativa.

Smith, que durante años escribió sobre hombres a los que deseaba sin ser correspondide, está escribiendo ahora canciones de amor correspondido. Para una estrella que se hizo mundialmente famosa convirtiendo la vulnerabilidad en espectáculo, descubrir que también se puede cantar desde la felicidad supone casi otro género musical.

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La producción de Hazel Eyes de Sam Smith

La transformación también se escucha en la producción. Smith participa de forma más directa en la construcción del sonido del álbum y trabaja con un círculo reducido de colaboradores. Entre ellos están Simon Aldred y David Odlum, que coproducen el disco junto al artista. Parte de las sesiones se desarrollaron en Nueva York y algunas tuvieron lugar en Electric Lady Studios.

El álbum se mueve entre el baroque pop, el folk británico, el gospel, el outlaw country, el doo-wop y el blues. Hay guitarra acústica, piano, cuerdas, metales y coros, pero sobre todo hay una producción que entiende que la voz de Smith no necesita que todo lo demás grite con ella.

El contraste con Gloria es evidente. Allí Smith abrazaba la provocación y una producción mucho más expansiva. Aquí la apuesta consiste en acercar el micrófono. En algunos momentos esa decisión funciona especialmente bien; en otros, el regreso a las fórmulas más reconocibles del soul-pop de Smith resulta demasiado cómodo y hace que algunas canciones parezcan familiares antes incluso de haber terminado.

Análisis de Hazel Eyes canción por canción

Everlasting Love

Everlasting Love abre el disco recuperando al Sam Smith más romántico y reconocible. La balada clásica le sienta bien porque vuelve a colocar su voz y su capacidad interpretativa en el centro. Como apertura funciona, aunque quizá juega demasiado sobre seguro para un disco que después demuestra tener más matices de los que este primer tema deja entrever.

Hazel Eyes

La canción que da título al álbum apuesta por la intimidad y es ahí donde encuentra buena parte de su fuerza. Entre piano y cuerdas, Smith convierte algo tan concreto como el color de unos ojos en una canción sobre memoria, deseo y felicidad recuperada. No necesita un gran estribillo ni una exhibición vocal para funcionar. Es probablemente una de las canciones que mejor resume el tono del disco, aunque precisamente por eso puede pasar más desapercibida en una primera escucha.

Moondance feat. Feist

La presencia de Feist aporta uno de los cambios de textura más interesantes del álbum. La producción es menos pulida y ligeramente indie, alejando a Smith de sus terrenos más habituales. La colaboración funciona porque ninguna de las dos voces intenta imponerse sobre la otra y la canción mantiene una delicadeza constante. Quizá le falta un momento verdaderamente memorable que termine de elevarla, pero su atractivo está más en la atmósfera que en buscar un gran impacto inmediato.

My Guy

My Guy es uno de los momentos más importantes del álbum no tanto por lo que hace musicalmente, sino por cómo cuenta su historia. Smith canta abiertamente sobre su pareja masculina desde los detalles pequeños y cotidianos de una relación, sin convertirlo en una explicación sobre identidad ni en un gran gesto reivindicativo. Esa naturalidad es precisamente su mayor virtud. Musicalmente no es de los cortes más aventureros del disco, pero la canción funciona porque transmite una felicidad creíble.

When He’s Gone

Después de la seguridad aparece el miedo. Las guitarras con inspiración country y una estructura algo más irregular acompañan una letra que imagina una pérdida que todavía no ha sucedido. La producción se vuelve progresivamente más nebulosa y consigue trasladar muy bien esa ansiedad anticipatoria. Es una de las canciones más interesantes en cuanto a construcción, aunque su estructura menos inmediata también hace que resulte algo más difícil de agarrar que otras del álbum.

Thief

Thief destaca precisamente porque Smith evita convertir el dolor en espectáculo. La guitarra acústica y una interpretación mucho más cercana sostienen una canción que parece surgir de un recuerdo todavía incómodo, sin necesidad de elevarlo hasta el dramatismo habitual de algunas de sus baladas. Esa austeridad le da autenticidad y hace que la voz gane todavía más peso. Emocionalmente es uno de los momentos más convincentes del disco.

Love Is a Stillness

Love Is a Stillness funciona como una pausa dentro del álbum. Piano, voz y poco más bastan para presentar una idea del amor alejada del drama. Su minimalismo puede hacer que parezca un tema menor, pero dentro del recorrido del disco cumple muy bien su función y demuestra que la intensidad no siempre necesita volumen.

Sugar Rush

Sugar Rush rompe casi por completo con el tono que domina el álbum. La producción retro, el ritmo más ligero y cierta teatralidad introducen una energía mucho más juguetona y convierten la canción en una de las propuestas más arriesgadas del conjunto. El problema es que también es uno de los temas que menos encajan con lo que sucede a su alrededor. Puede sentirse algo desconectada, pero esa rareza termina siendo parte de su encanto y evita que el disco quede atrapado demasiado tiempo en la misma solemnidad.

Oh Mother feat. The TwoCity Chorus

Con guitarras eléctricas y una energía mucho más física, Oh Mother recupera parte del Sam Smith más provocador de Gloria, aunque aquí esa actitud convive mejor con la vulnerabilidad que define el resto del álbum. The TwoCity Chorus amplía la canción y le aporta una dimensión comunitaria, especialmente efectiva cuando la producción crece. Hay muchas ideas sucediendo al mismo tiempo y por momentos puede sentirse algo excesiva, pero esa exuberancia es precisamente la que la convierte en uno de los cortes con más personalidad.

Constant Companion

Constant Companion encuentra a Smith hablando desde la tranquilidad. Los teclados ascendentes y un falsete especialmente cálido construyen una canción sobre confianza y permanencia. No hay grandes giros ni un estribillo pensado para imponerse inmediatamente, lo que puede hacer que necesite varias escuchas. Pocas veces Smith había sonado tan cómodo dentro de una relación.

Hold On

Hold On recupera una estructura más reconocible dentro del universo de Smith. La producción va creciendo poco a poco mientras la letra insiste en la necesidad de aferrarse a algo incluso cuando soltar podría resultar más sencillo. Ese crescendo permite que la interpretación vocal vuelva a ganar protagonismo y ofrece uno de los momentos más expansivos del tramo final. No es especialmente sorprendente en términos de sonido, pero está ejecutada con la precisión suficiente para que esa familiaridad juegue a su favor.

To Be Free

To Be Free cierra el disco evitando precisamente el tipo de final que Sam Smith podría haber escogido hace unos años. En lugar de una gran explosión vocal, la canción habla de liberarse de la vergüenza, de las expectativas y de la necesidad de representar constantemente una versión determinada de uno mismo desde la contención. Puede dejar una sensación ligeramente anticlimática después de algunos momentos más intensos, pero conceptualmente funciona especialmente bien. Hazel Eyes termina con Smith dejando de sentir que tiene que demostrar algo.

Lo mejor del álbum

Cuando Sam Smith llegó a nuestros auriculares, lo hizo como una bomba de dudas sobre la identidad. Canciones que ponían palabras a cosas que muchas veces ni siquiera sabíamos cómo nombrar. Ahora la historia es otra. En Hazel Eyes conocemos la perspectiva de una persona queer desde un lugar mucho más íntimo. Cómo cambia su manera de entenderse y de vivir una relación cuando, por fin, el amor también es correspondido.

En un momento en el que parece que todos estamos deseando que el otro termine de hablar para poder contar nuestra propia historia, la música se convierte en unos de las únicas vías en el que no hay intermediarios que frenen el valor de escuchar la perspectiva de alguien más.

Hazel Eyes es un ejemplo más de todas las capas que puede tener una persona. No sabemos cuál será el siguiente paso de alguien que está perdido, igual que tampoco sabemos qué puede pasar cuando alguien cree tenerlo todo claro. No existe un manual de instrucciones para entenderse, para querer o para saber quién queremos ser mañana. Y quizá por eso escuchar las historias de los demás sea una de las pocas maneras que tenemos de aprender que todo puede pasar.