Crítica de Dopamine Chamber, de Fontaines D.C.: dopamina para los que ya nada les estimula

Fontaines D.C. han llegado a ese momento de su carrera en el que podrían vivir cómodamente de lo que ya saben hacer. Pero los irlandeses parecen tenerle más miedo al aburrimiento que al fracaso. Dopamine Chamber, publicado este 16 de octubre a través de XL Recordings, continúa la transformación que iniciaron con Romance (2024) con un Grian Chatten que parece llevar toda la vida esperando una buena noticia sin demasiada esperanza.

El resultado es un disco sobre el deseo, la evasión y esa curiosa capacidad humana para tenerlo casi todo y seguir sintiendo que falta algo. En una sociedad obsesionada con encontrar la próxima dosis de satisfacción, Fontaines D.C. se preguntan qué ocurre cuando nada parece suficiente.

La producción de Dopamine Chamber de Fontaines D.C.

James Ford vuelve a trabajar con Fontaines D.C. después de Romance, pero esta vez parece dispuesto a desmontar la banda y volver a montarla pieza por pieza. Lo curioso es que, cuanto más cambian sus instrumentos, más reconocibles resultan. Tom Coll mezcla su batería con cajas de ritmos de los ochenta y de la época soviética, Carlos O'Connell se entrega a los sintetizadores y Conor Curley encuentra nuevas formas de hacer sonar una guitarra. Depeche Mode y New Order aparecen como viejos conocidos, pero nadie ha venido a organizar una fiesta de disfraces de los ochenta. Ford consigue que todo suene familiar y extraño al mismo tiempo, como escuchar una canción que jurarías conocer y descubrir que no existe.

Lo más sorprendente de todo este despliegue instrumental sea descubrir que la voz de Grian Chatten nunca había sonado tan cercana. Se refugia en su registro más grave, casi hablado, y consigue una intimidad que ningún sintetizador podría fabricar. Algunas de sus voces se grabaron en Palermo, en una habitación acondicionada con colchones. Me encanta pensar que un disco capaz de sonar tan monumental tenga parte de su origen en una habitación que podría confundirse con la mudanza de un estudiante.

Análisis de las canciones de Dopamine Chamber de Fontaines D.C.

Six Shot Morning

Fontaines D.C. abren el disco dejando las guitarras en un segundo plano, una decisión que probablemente haya provocado algún pequeño disgusto entre quienes todavía esperan que vuelvan a grabar Dogrel. James Ford recurre a un sintetizador ARP 2600 para construir buena parte de la atmósfera, mientras el bajo de Conor Deegan se ocupa de que nadie pierda el norte. La electrónica no aparece como un adorno moderno para demostrar que la banda también sabe utilizar sintetizadores, sino como el punto de partida de una nueva etapa. Y funciona. La canción crece con paciencia, administra bien sus cambios y consigue que el riesgo parezca una decisión natural. No está mal para un grupo que podría haberse pasado el resto de su carrera viviendo cómodamente de las guitarras.

Marianne

Marianne contiene uno de los estribillos más inmediatos del álbum, aunque Fontaines D.C. parecen convencidos de que una buena melodía necesita ir acompañada de una experiencia emocional cercana a la revelación religiosa. La voz de Chatten encuentra un equilibrio atractivo entre accesibilidad y melancolía, pero la producción acumula tantas capas que por momentos parece empeñada en convertir cada estribillo en el acontecimiento más importante de nuestras vidas. La canción es buena, incluso muy buena en algunos pasajes, pero habría agradecido un poco menos de solemnidad. No todas las emociones necesitan una orquesta que confirme su importancia.

Mimesis

Si Peter Hook hubiera decidido compartir estudio con Depeche Mode, probablemente habría salido algo parecido a Mimesis. El bajo melódico recuerda inevitablemente a Joy Division y New Order, mientras los sintetizadores y la oscuridad bailable tienen algo de Enjoy the Silence. Las referencias son tan evidentes que casi apetece enviarles una invitación formal, pero Fontaines D.C. consiguen integrarlas sin perder su identidad. El bajo de Deegan lleva buena parte del peso de la composición, y el tramo final, con la batería y los teclados ganando protagonismo, es uno de los mejores momentos instrumentales del disco. Una canción que demuestra que mirar a los ochenta no tiene por qué significar quedarse a vivir allí.

Happy for You

Happy for You entiende bastante bien una de las grandes contradicciones de las rupturas: puedes desearle lo mejor a alguien y, al mismo tiempo, preferir no enterarte de que efectivamente le está yendo fenomenal. Fontaines D.C. traducen esa incomodidad en un contraste especialmente conseguido entre unas guitarras iniciales contenidas y una explosión posterior de distorsión. La producción sabe cuándo dejar respirar la canción y cuándo permitir que haga un poco de ruido, aunque el final llega justo cuando las guitarras empezaban a ponerse verdaderamente interesantes. Es una de esas ocasiones en las que a una le gustaría que el grupo hubiera alargado la despedida unos minutos más. Total, después de una ruptura todos hemos insistido bastante más de lo recomendable.

Demolition

Después de tanta introspección, Demolition llega para recordar que Fontaines D.C. también saben hacer ruido sin necesidad de justificarlo emocionalmente. La canción recupera la contundencia instrumental de sus primeros trabajos y aporta una energía especialmente bienvenida en un disco donde abundan los tempos moderados y las grandes preguntas existenciales. Las guitarras vuelven a ocupar el centro y el grupo demuestra que su evolución hacia terrenos más electrónicos y orquestales no implica haber olvidado cómo construir una canción físicamente arrolladora. A veces está bien analizar los propios sentimientos, pero otras basta con subir el volumen.

Tongue

Tongue es una de las canciones más peculiares del álbum, aunque no todas sus decisiones terminan de convencer. La instrumentación explora terrenos interesantes, pero los efectos que alteran la voz de Grian Chatten, especialmente cuando la desplazan hacia registros artificialmente agudos, acaban reclamando demasiada atención. Y resulta una pena, porque Chatten tiene una de esas voces que uno reconocería incluso escuchándola a través de la pared de un vecino. Su gravedad y su peculiar manera de pronunciar las palabras ya aportan suficiente personalidad como para necesitar tantos disfraces. Se agradece la voluntad de experimentar, pero aquí la producción parece olvidar que tener muchas posibilidades no obliga a utilizarlas todas.

One Man

One Man es una de las grandes canciones del disco y, curiosamente, también una de las que mejor demuestra que Fontaines D.C. pueden ponerse intensos sin parecer empeñados en ganar un premio por ello. La instrumentación orquestal sostiene los primeros minutos sin recurrir a una base rítmica convencional, mientras la voz de Chatten aborda la búsqueda de consuelo con una cercanía poco habitual. La incorporación progresiva de guitarras acústicas, batería y nuevas capas instrumentales construye un crecimiento emocionante que nunca resulta gratuito. Grabada en parte en un espacio improvisado durante las sesiones de Palermo, la interpretación conserva una intimidad que ningún estudio carísimo garantiza. Aquí James Ford sabe exactamente cuándo intervenir y, sobre todo, cuándo apartarse. El resultado es una canción preciosa que consigue conmover sin tener que recordarnos constantemente lo importante que es lo que estamos sintiendo.

Where Is Gone?, con Rosalía

La colaboración con Rosalía podría haber sido una de esas reuniones entre grandes nombres que existen principalmente para alegrar a los departamentos de marketing, pero, por suerte, Where Is Gone? tiene bastante más que ofrecer. Fontaines D.C. se acercan a las baladas orquestales de los sesenta, con ecos de Ennio Morricone y una sensibilidad cinematográfica que parece anunciar una historia de amor con pocas posibilidades de acabar bien. La voz flexible y expresiva de Rosalía encuentra un contrapunto precioso en la gravedad de Chatten, mientras los arreglos de cuerda y la guitarra acústica les dejan espacio para dialogar sin competir por el protagonismo. Incluso el dramatismo, que en otros momentos del álbum parece necesitar supervisión, aquí está perfectamente justificado. Es una canción elegante, emotiva y construida con una delicadeza poco frecuente en las colaboraciones de alto perfil. Se agradece comprobar que juntar a dos artistas interesantes todavía puede responder a una buena idea musical y no solo a una reunión de ejecutivos.

You Miss Me

You Miss Me recupera el rock gótico de los ochenta con unas estrofas oscuras que desembocan en un estribillo mucho más expansivo, acompañado por arreglos de cuerda. El contraste funciona especialmente bien y demuestra que Fontaines D.C. saben encontrar una buena recompensa melódica cuando se lo proponen. El bajo de Deegan incorpora además técnicas de manipulación de cinta inspiradas en Prince, un detalle que añade interés a una instrumentación ya bastante cuidada. La letra explora una relación marcada por la dependencia emocional y esa costumbre tan humana de confundir el amor con la responsabilidad de arreglarle la vida a otra persona. Por fortuna, la canción tiene bastante más claras sus prioridades que sus protagonistas: cada arreglo aparece donde debe y el estribillo cumple exactamente lo que prometen las estrofas.

Japan

Japan encaja en el álbum sin hacer demasiado ruido, aunque tampoco deja una huella especialmente profunda. Tiene algo de ese Oasis que aparcaba las guitarras más combativas para ponerse sentimental, pero conserva la melancolía habitual de Fontaines D.C., un grupo que probablemente encontraría motivos para entristecerse hasta en unas vacaciones pagadas. Las estrofas construyen una atmósfera prometedora, pero el estribillo no termina de estar a la altura y opta por una resolución melódica demasiado convencional. La producción de Ford hace lo que puede por vestir la canción de domingo, aportando profundidad y elegancia a la instrumentación, aunque ni los mejores arreglos consiguen que la melodía resulte tan memorable como prometía. Japan es una canción agradable, solo que uno sospecha que podría haber dado bastante más de sí.

Intimate

Intimate recupera parte de la electrónica que abría el álbum con Six Shot Morning, cerrando el recorrido con una coherencia que se agradece, aunque sin demasiados fuegos artificiales. La atmósfera es envolvente y la interpretación de Chatten vuelve a aportar esa mezcla de vulnerabilidad y distancia que tan bien maneja. Como despedida, quizá resulta algo contenida para un disco que ha dedicado tanto tiempo a construir grandes momentos emocionales, pero también tiene sentido que Fontaines D.C. prefieran marcharse sin resolver todas las preguntas que han planteado. Después de tanta intensidad, casi se agradece que no intenten convertir los créditos finales en otra crisis existencial.

Lo mejor del álbum

Lo mejor de Fontaines D.C. es que la balanza nunca se inclina hacia ninguno de sus músicos. Como ocurría con The Beatles, Queen o Fleetwood Mac, cada integrante tiene una personalidad reconocible, pero ninguno necesita imponerse sobre los demás. Ningún instrumento acompaña ni espera su turno para lucirse. Cada parte de la canción importa tanto como el conjunto, y eso se percibe desde el primer segundo. Sus temas no se pasan la vida preparándose para empezar: empiezan y tú ya estás dentro. Te pones los auriculares y desapareces. De repente, aparece mi jefe y me los quito con ganas de soltarle: "¿Qué quieres, pesado? ¿No ves que estoy escuchando música?".