Cómo Spike Lee da una lección de música y reivindicación en todas sus películas

El último trabajo Spike Lee nos traslada una vez más a Nueva York, con su ya habitual protagonista, Denzel Washington. Del cielo al infierno cuenta con grandes voces como A$AP Rocky, que forma parte del elenco, o Aiyana Lee.

Esta adaptación de la obra japonesa de Kurosawa, El infierno del odio, gira en torno a un empresario de la música que es víctima de una extorsión y debe luchar por su familia y su legado. Todo ello, de nuevo, tratado desde la perspectiva racial y cultural, temas que vertebran la obra de Lee.

¿Qué tiene de especial el cine de Spike?

Si por algo se caracteriza el director es por un exquisito gusto a la hora de elegir elenco, músicos y bandas sonoras. Lo más curioso reside en la relación tan directa entre el acompañamiento musical y la forma en que termina de argumentar su tema central: la lucha, el combate por los propios derechos. Lee es, ante todo, neoyorquino y afroamericano; nadie cuenta mejor que él una historia sobre Nueva York y su gente, esa que parece invisible, a la que se empeñan en dejar en los márgenes. Spike es eso: los márgenes, lo escondido, lo apartado y lo incomprendido. Y así lo demuestra en todas sus obras, especialmente a través de la música y sus líneas argumentales.

Al repasar su filmografía se ve con claridad cómo Spike trata todo tipo de historias y realidades: desde el amor de pareja, las amistades o la vida familiar en el barrio, hasta los conflictos de la vida cotidiana e incluso el terror. Pero siempre desde una mirada política y reivindicativa, siempre desde la experiencia afrodescendiente, desde la cultura, las raíces y también el prisma de la época que le tocó vivir.

Que Do the Right Thing comenzara con Fight the Power de Public Enemy no es ninguna casualidad. Es una declaración de intenciones: Spike marca un tono combativo desde el primer instante. “Lucha contra el poder” clama la canción, en una película que expone cómo de podrido está el sistema y a quién perjudica siempre. La música introduce el corazón de toda la obra: la autodefensa del Black Power. Lo vemos también en el radiocasete de Radio Raheem, que reproduce en bucle el tema a todo volumen, o en la pizzería de Sal, donde no solo se lucha por el orgullo propio, sino también por el de su música. Es un ejemplo claro de las tensiones de la época y de cómo el hip hop fue clave en el conflicto racial.

Mo’ Better Blues es otro gran ejemplo de las virguerías que hace el director con la música. Narra la historia de un grupo de músicos de jazz, otra forma de reivindicación y de lucha. Denzel Washington da vida al protagonista, aunque el verdadero peso musical lo aporta el compositor Terence Blanchard, miembro del cuarteto de Branford Marsalis, quien puso banda sonora al filme. Blanchard se convirtió en un colaborador habitual de Lee, ya que con sus notas podía expresar tanto la reivindicación como la cotidianeidad más íntima. Lee siempre habla de como su compositor favorito era su propio padre Bill Lee, que también fue parte de la musica de esta película como de Do The Right Thing y muchas otras.

Desde Stevie hasta Terence Blanchart

Si hay que destacar otras obras por su mensaje y sus composiciones, resultan imprescindibles Malcolm X, Jungle Fever o BlacKkKlansman. En Malcolm X Lee volvió a contar con Blanchard, consolidando uno de los mejores dúos de la historia del cine y la música. Esta unión continuó en BlacKkKlansman, donde la banda sonora es un protagonista más en la lucha a vida o muerte de un policía afroamericano infiltrado en el KuKluxKlan. No es casualidad que la película arranque con Lucky Man de Emerson, Lake & Palmer: la “balada más blanca” para una de las películas más negras de la historia.

Jungle Fever es la favorita en esto de las bandas sonoras, compuesta en exclusiva por Stevie Wonder. El legendario músico acompañó con sus canciones una historia de amor interracial y las dificultades que esta conllevaba. Temas como Fun Day o Jungle Fever se convierten en coprotagonistas, pues tienen un peso tan importante como el propio elenco. Solo con escucharlos se entiende el conflicto, y eso es algo que Spike Lee domina como nadie.

A lo largo de toda su filmografía, Spike Lee ha demostrado cómo hacer un cine social y combativo, pero sin recurrir a los prismas típicos. Hace uso de la música, de la estética y de composiciones únicas. Sus películas son un producto de su tiempo, que, por desgracia, siguen reflejándose con fuerza en la actualidad.