Crítica de Dopamine Chamber, de Fontaines D.C.: dopamina para los que ya nada les estimula

Fontaines D.C. han llegado a ese momento de su carrera en el que podrían vivir cómodamente de lo que ya saben hacer. Pero los irlandeses parecen tenerle más miedo al aburrimiento que al fracaso. Dopamine Chamber, publicado este 16 de octubre a través de XL Recordings, continúa la transformación que iniciaron con Romance (2024) con un Grian Chatten que parece llevar toda la vida esperando una buena noticia sin demasiada esperanza.

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El resultado es un disco sobre el deseo, la evasión y esa curiosa capacidad humana para tenerlo casi todo y seguir sintiendo que falta algo. En una sociedad obsesionada con encontrar la próxima dosis de satisfacción, Fontaines D.C. se preguntan qué ocurre cuando nada parece suficiente.

La producción de Dopamine Chamber de Fontaines D.C.

James Ford vuelve a trabajar con Fontaines D.C. después de Romance, pero esta vez parece dispuesto a desmontar la banda y volver a montarla pieza por pieza. Lo curioso es que, cuanto más cambian sus instrumentos, más reconocibles resultan. Tom Coll mezcla su batería con cajas de ritmos de los ochenta y de la época soviética, Carlos O'Connell se entrega a los sintetizadores y Conor Curley encuentra nuevas formas de hacer sonar una guitarra. Depeche Mode y New Order aparecen como viejos conocidos, pero nadie ha venido a organizar una fiesta de disfraces de los ochenta. Ford consigue que todo suene familiar y extraño al mismo tiempo, como escuchar una canción que jurarías conocer y descubrir que no existe.

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Lo más sorprendente de todo este despliegue instrumental sea descubrir que la voz de Grian Chatten nunca había sonado tan cercana. Se refugia en su registro más grave, casi hablado, y consigue una intimidad que ningún sintetizador podría fabricar. Algunas de sus voces se grabaron en Palermo, en una habitación acondicionada con colchones. Me encanta pensar que un disco capaz de sonar tan monumental tenga parte de su origen en una habitación que podría confundirse con la mudanza de un estudiante.

Análisis de las canciones de Dopamine Chamber de Fontaines D.C.

Six Shot Morning

Fontaines D.C. abren el disco relegando las guitarras a un segundo plano, una decisión que probablemente haya disgustado a quienes todavía esperan otro Dogrel. James Ford construye la atmósfera alrededor de un sintetizador ARP 2600 y el bajo de Conor Deegan, dejando claro que la electrónica ya no es una invitada. La canción crece con paciencia y consigue que el cambio de rumbo parezca lo más natural del mundo. Dan ganas de preguntarse por qué no lo habían hecho antes.

Marianne

Marianne tiene uno de los estribillos más inmediatos del álbum, aunque la producción parece convencida de que cada emoción merece una revelación religiosa. Para mí, no todas las emociones necesitan una orquesta que confirme su importancia.

Mimesis

Si Peter Hook hubiera compartido estudio con Depeche Mode, probablemente habría salido algo parecido a Mimesis. El bajo recuerda a Joy Division y New Order, mientras los sintetizadores recuperan esa maravillosa costumbre ochentera de hacerte bailar como si estuvieras atravesando una crisis existencial. Las influencias son evidentes, pero Fontaines D.C. consiguen hacerlas suyas. Y cuando la batería y los teclados toman el control al final, la canción alcanza uno de los mejores momentos instrumentales del disco.

Happy for You

Happy for You entiende esa contradicción de las rupturas, desearle lo mejor a alguien y preferir no enterarte de que efectivamente le está yendo fenomenal. Lástima que la canción termine justo cuando empieza a ponerse verdaderamente interesante.

Demolition

Después de tanta introspección, Demolition aparece para recordar que Fontaines D.C. también saben hacer ruido sin necesidad de justificarlo emocionalmente. Las guitarras recuperan la contundencia de sus primeros discos. Está bien analizar los propios sentimientos, pero hoy me basta con subir el volumen.

Tongue

Tongue es una de las propuestas más extrañas del álbum, aunque sus experimentos vocales no siempre salen bien. Los efectos que llevan la voz de Chatten hacia registros artificialmente agudos terminan robándole protagonismo a ese timbre grave que reconocerías hasta a través de la pared de un vecino. Se agradece la curiosidad, pero hay momentos en los que el estudio de grabación parece una tienda de golosinas y alguien debería recordarles que no hace falta probarlo todo.

One Man

One Man es una de las grandes canciones del álbum y también la prueba de que Fontaines D.C. pueden emocionar sin necesidad de ponerse solemnes. James Ford sabe exactamente cuándo intervenir y cuándo apartarse. El resultado es una de esas canciones que te sorprenden mirando por la ventana.

Where Is Gone?, con Rosalía

La colaboración con Rosalía podría haber sido otra de esas reuniones entre grandes nombres que hacen especialmente felices a los departamentos de marketing. Por suerte, es uno de los momentos más bonitos del disco. La voz de Rosalía encuentra un contrapunto precioso en la gravedad de Chatten. Todo tiene algo de película de amor italiana en la que nadie está destinado a terminar feliz. Pero qué maravilla de tragedia.

You Miss Me

You Miss Me recupera el rock gótico de los ochenta, con unas estrofas oscuras que desembocan en un estribillo expansivo y lleno de cuerdas. El bajo de Deegan incorpora técnicas de manipulación de cinta inspiradas en Prince, mientras la letra aborda esa costumbre tan humana de confundir el amor con la responsabilidad de arreglarle la vida a otra persona. Por suerte, la canción tiene las ideas bastante más claras que sus protagonistas: sabe cuándo contenerse y cuándo dejarse llevar.

Japan

Japan tiene algo del Oasis que aparcaba las guitarras más combativas para ponerse sentimental. Las estrofas prometen más de lo que entrega un estribillo demasiado convencional. Ford hace lo posible por vestir la canción de domingo, pero los arreglos no consiguen convertirla en uno de los momentos más memorables del álbum. Es agradable, aunque una se queda esperando algo más.

Intimate

Intimate recupera la electrónica con la que comenzó el disco y cierra el círculo con una despedida contenida. La voz de Chatten vuelve a encontrar su sitio entre los sintetizadores, dejando una sensación de intimidad que contrasta con los momentos más monumentales del álbum. Quizá no sea el final más espectacular, pero tiene sentido que un disco sobre nuestra incapacidad para sentirnos satisfechos termine sin ofrecernos todas las respuestas.

Lo mejor del álbum

Lo mejor de Fontaines D.C. es que la balanza nunca se inclina hacia ninguno de sus músicos. Como ocurría con The Beatles, Queen o Fleetwood Mac, cada integrante tiene una personalidad reconocible, pero ninguno necesita imponerse sobre los demás. Ningún instrumento acompaña ni espera su turno para lucirse. Cada parte de la canción importa tanto como el conjunto, y eso se percibe desde el primer segundo. Sus temas no se pasan la vida preparándose para empezar: empiezan y tú ya estás dentro. Te pones los auriculares y desapareces. De repente, aparece mi jefe y me los quito con ganas de soltarle: "¿Qué quieres, pesado? ¿No ves que estoy escuchando música?".