Marem Ladson: “Creo en la música que nace desde abajo, de experiencias reales”

Tras el éxito de su primer disco, la jóven artista española-estadounidense lanza el 6 de marzo su nuevo EP titulado 'Azul'

Marem Ladson

Marem Ladson / Foto promocional facilitada por la artista / Adriana Roslin

Marem Ladson debuta en 2018 con Marem Ladson, un álbum compuesto de 11 canciones escritas en inglés en el que apostaba por un estilo folkie, fresco e intimista que sorprendía por lograr un sonido personal, redondo y ambicioso en sus referencias. Dos años después, la joven artista de ascendencia americana y española regresa este 6 de marzo con Azul, un EP que funciona como antesala de lo que será su segundo disco.

Si su primer proyecto nacía de una colección de recuerdos y experiencias vividas durante la adolescencia, en estos nuevos temas nos encontramos con una Marem más adulta, decidida y dispuesta tanto a arriesgar en recursos sonoro-estilísticos como a explorar nuevos estilos. No por ello renuncia a su más pura esencia: la de componer desde la sinceridad absoluta y siendo fiel a sus raíces musicales.

Hablamos con ella sobre los secretos que esconde Azul, cultura musical, su colaboración con Natalia Lacunza o los talent show musicales.

Marem Ladson / Foto promocional facilitada por la artista / Foto promocional

Pregunta: Este 6 de marzo vas a lanzar un EP titulado Azul como adelanto de un futuro segundo álbum, ¿cómo decidiste embarcarte en este nuevo proyecto? ¿Tenías claro cuando grabaste Marem Ladson (2018) que querías hacer más discos?

Marem: Totalmente. Yo ya sé que voy a sacar 10 discos más. No sé todavía cómo van a ser pero tengo clarísimo que voy a seguir haciendo música. Forma parte de mi vida, no puedo dejar de escribir canciones y si me gustan siempre querré compartirlas con la gente. El segundo disco está ahí, estoy a punto de empezar a grabarlo. ¡Y de momento está el EP!

P: ¿Por qué esta decisión de publicar primero un EP y luego el disco?

M: Sentí que era un paso necesario. Mi primer disco es una recopilación de canciones que escribí durante mi adolescencia y cuando lo saqué habían pasado más o menos dos años desde que las había compuesto. Ahora siento la necesidad de recoger las canciones que forman parte de mi presente. Este EP es un poco la transición entre los dos discos. El primero es muy clásico, suena a folk americano de los 60’ y 70’. En el segundo me apetece explorar otros campos, mezclar esa influencia clásica que me sigue flipando con otra nueva música que también me interesa. Creo que eso se verá reflejado, ese conjunto de influencias sin prejuicios.

P: ¿A qué hace referencia el título Azul?

M: Es ‘azul’ en parte por triste (blue). Pero también porque hace poco descubrí una cosa que fue una revelación para mí. Un día estaba en el local escuchando a una artista (creo que era Natalia Lafourcade) y me di cuenta de que, mientras que en la música americana ‘blue’ se utiliza como una metáfora de la tristeza, en español ‘azul’ significa todo lo contrario. Significa felicidad, alegría, cielo, mar… Que ‘azul’ es ‘triste’ es algo que tenía tan asimilado que hasta lo había utilizado en mis propias canciones como un guiño. De repente me di cuenta de que las cosas pueden tener varios significados, que al final todo lo que tenemos es una percepción de la realidad, no existe nada absoluto. Que ‘blue’ no tiene por qué significar ‘tristeza’, también puede significar ‘felicidad’.

P: ¿Qué referencias musicales vamos a encontrar en este nuevo álbum? Fight, por ejemplo, tiene un rollito muy Bon Iver.

M: ¡Me alegro que haya visto esa referencia! Sí que está ahí. He escuchado muchas cosas distintas: el último disco de Angel Olsen, el de Clairo… Espera, ¡voy a abrir Spotify! Tengo creada una playlist de referencias: Blood Orange, Lana del Rey, el último disco de Mura Masa… Quería que este EP sonase atemporal pero de esta época. Pienso que cada artista tiene que crear música que vaya acorde con su tiempo. Personalmente siento la necesidad de formar parte de lo que está pasando ahora sin dejar de lado mi raíz más clásica.

P: Todos los temas que integran tu primer disco están escritos en inglés. Sin embargo, en dos de los nuevos singles, Nothing Really Matters y Fight, recurres a una mezcla de inglés-español. ¿Estás haciendo una transición hacia el español o vas a seguir utilizando los dos idiomas?

M: Creo que voy a utilizar ambos idiomas según me venga. No estoy haciendo una transición planificada, consciente o meticulosa. Para nada, no soy así. Soy de hacer las cosas según me vienen, dejar fluir y sentir que todo sale de forma natural. Al mismo tiempo creo que tiene sentido cantar en esta especie de “espanglish” porque refleja exactamente quién soy. En mi casa siempre se ha hablado inglés y español, a veces hasta gallego. Me he criado en Galicia pero también en Estados Unidos.

P: ¿Qué libertades y qué limitaciones te concede el cantar en español frente a hacerlo en inglés?

M: Hasta ahora no había sacado una canción en español porque me salía más natural hacerlo en inglés. Creo que (la segunda) es una lengua que da pie más fácilmente a la rima, a la sonoridad… tiene más monosílabos. El español es totalmente distinto. Si cojo una canción mía que me guste muchísimo, como por ejemplo Everything, y la traduzco de repente me deja de gustar. Las cosas, dependiendo del idioma en el que las digas, pueden sonar más cursi o menos cursi. Creo que en español es más difícil jugar con las metáforas y expresar los sentimientos sin caer en el cliché. Al mismo tiempo escribir en castellano me ha aportado esa libertad creativa de hacer algo nuevo. Ha sido refrescante.

P: Tu último lanzamiento, No sentir nada, es tu primera canción completamente en castellano y llega acompañada de un videoclip. ¿Cómo ha sido la grabación del visual?

M: ¡Fue una auténtica locura! El vídeo de No sentir nada lo grabamos en un set de rodaje de películas western en el desierto de Tabernas de Almería. En él aparezco vestida de cowgirl porque para mí esa figura representa alguien en quién me gustaría convertirme: más valiente, más segura, sin miedo, controlando cada situación y siendo dueña de mí misma. En el videoclip, lo más preciado para mí, como podría ser la música, se representa a través de mi caballo. La historia se centra en la pérdida de mi caballo y en cómo me vuelvo loca intentando encontrar la forma de anular el dolor de su ausencia y “no sentir nada”. Creo que todo el mundo ha vivido alguna situación que le supera y en la que directamente preferiría bloquear sus sentimientos. Pero es precisamente el tener sentimientos lo que nos hace humanos. Esa es un poco la moraleja. Además, en la grabación la forma que encuentro de dejar mi pasado atrás es un guiño a mi tierra porque se representa a través de la queimada. Me gusta muchísimo lo que simboliza, es un ritual que está en mis raíces y que mi familia y yo hacemos todos los magostos. Se utiliza para ahuyenta a los malos espíritus y a los fantasmas.

P: Comparada con la grabación de tu primer disco, ¿cuáles son las principales diferencias que has notado en ti misma a la hora de abordar este proyecto?

M: Ha sido un proyecto muy colaborativo. Me apetecía que el ambiente de trabajo fuese más respetuoso, que se me escuchase más. Quería tener más presencia en el proceso de producción y composición. Creo que en un disco influye mucho la gente con la que trabajas y yo he tenido mucha suerte al dar con mi banda: Javi, Xoán, Manu… tenemos la misma edad y somos de la misma generación, estamos pasando por lo mismo. Quería trabajar con personas que me entendiesen, me respetasen y escuchasen mis ideas. Este proyecto suena más a mí que nunca.

P: Actualmente estás de gira por España pero dentro de poco vas a “cruzar el charco”. ¿Es la primera vez que vas a Estados Unidos a tocar?

M: ¡Sí! Tengo muchas ganas de dar ese salto. Me hace gracia porque yo viví en Houston (Texas) cuando tenía 15 años y mi primer concierto de esta gira americana va a ser en Austin. ¡Van a venir mis amigos del instituto! Después voy a Los Ángeles y a Nueva York.

P: ¿Cómo ves la cultura musical americana, sobre todo en lo que tiene que ver con la música en directo, comparada con la española?

M: No lo sé, quizás cuando vuelva de la gira puedo responder mejor. Yo creo que en España se valoran poco los directos. Depende de la gente evidentemente. Pero por ejemplo en Portugal las personas valoran más el hecho de ir a un concierto, lo ven como un acto cultural como ir al teatro o al cine, no les importa gastar dinero. De todas formas creo que con las nuevas generaciones eso está cambiando, sobre todo con el auge de la música urbana y los festivales.

P: El año pasado colaboraste con Natalia Lacunza en Otras Alas, el single con el mismo nombre que su EP debut, ¿cómo surgió esa colaboración y cómo la viviste?

M: Nos conocimos a través de un editor. Ella estaba trabajando en su EP y el quipo pensó que encajaríamos guay. Tenían razón, fue una conexión total. Habíamos quedado para componer pero empezamos a hablar de nuestras cosas y nos dimos cuenta de que éramos dos chicas jóvenes que se están iniciando en la música y que comparen un montón de experiencias. También hablamos de cómo se nos percibe como mujeres dentro de la industria. Otras Alas nació de ahí, de la necesidad de sentirnos más libres.

P: ¿Qué opinas de los talent shows musicales como lanzadera de artistas?¿Te ves presentándote a alguno para darte a conocer?

M: No. No me presentaría porque mi forma de entender la música es otra. No me gustan los atajos porque siento que al final es contraproducente. Creo en la música que nace desde abajo, de experiencias reales. Hay que vivir muchas cosas para luego valorar el éxito. Siento que este tipo de programas son peligrosos porque todo llega demasiado fácil, e igual que llega se va. Al lograrlo todo tan rápido no valoras el camino. Pienso que es muy necesario dar cada paso en su momento. Tampoco creo que para ser artista tengas que comer mierda, pero es algo que te hace valorar cada momento. Esa es mi forma de entender la música.


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