Vetusta Morla, sobre ‘Cable a Tierra’: “Nace de la necesidad de mirarnos y valorarnos los unos a los otros”

Charlamos con Guille Galván, guitarrista y compositor, de todo lo que hay detrás de 'Cable a Tierra', el nuevo disco de la banda, y la relación que tiene con la pandemia y la música popular

Vetusta Morla

Entrevistamos a Guille Galván (3º por la izquierda), guitarrista y compositor de Vetusta Morla / Ricardo Rubio/Europa Press via Getty Images

Vetusta Morla, desde que se presentó en 2008 con Un Día en el Mundo (que contiene los ya clásicos Copenhague o Valiente), se ha labrado una carrera consistente y exitosa que los ha convertido en una de las bandas de referencia de España, sin olvidarnos de los numerosos fans que tienen al otro lado del charco.

En 2021, han continuado esta tendencia con paso firme gracias a los lanzamientos de su nuevo disco, Cable a Tierra, y la banda sonora de la película La Hija, por la que están nominados a los Premios Feroz.

Guille Galván, guitarrista y compositor de la banda, nos concede una entrevista en la que nos desgrana todos los detalles de estos nuevos trabajos, con el foco en la fragilidad que nos ha producido la pandemia y en la música popular, la cual les ha ayudado a construir desde las cosas pequeñas. Además, también hablamos de su futuro con el Wanda Metropolitano como gran protagonista.

Pregunta (P): Cable a Tierra: ¿qué significado tienen para ti estas tres palabras?

Respuesta (R): El disco es un conjunto de canciones que están compuestas o tienen mucho que ver, no sé si con la pandemia porque tampoco es un disco que hable de la pandemia, con cierta fragilidad que hemos sentido todos como seres humanos. Empezamos a juntarnos para hacer este disco la semana de la Filomena, con Madrid destrozado, después de un año casi sin vernos y el miedo de la enfermedad y la muerte muy cerca también. Ha habido una sensación de fragilidad como especie casi; de repente estaba ahí la atención en muchas de las canciones que llevamos Juanma y yo.

Nos dimos cuenta de que al final estábamos hablando no solo de necesidad de protección y de cuidado, sino de una necesidad de mirar lo que teníamos al lado y valorarnos los unos a los otros. Quizá el que vive al lado de un volcán o quien sufre maremotos o tormentas tropicales cada año sabe que la vida se puede ir al garete en cualquier momento, pero nosotros aquí en Europa no estamos acostumbrados a estas cosas y todo lo que ha pasado ha sido un toque de atención potente. De repente, esa sensación de decir, "bueno, después de todo lo que ha pasado estamos buscando ciertos refugios o cosas que nos conecten y puedan ser llevadas al suelo". Y de ahí la idea de Cable a Tierra, de bajar todo eso.

Veníamos de mogollón de giras viajando, y ha habido una necesidad de construir desde lo chiquitito también, no desde el local de ensayo (que no podíamos ir), sino desde nuestras casas. Empezamos a jugar con otro tipo de instrumentos que necesitaban abrirse paso entre una batería y guitarra eléctrica, ya que son instrumentos que no están amplificados y no llevas a los locales de ensayo porque suenan más bajo que los demás. En este concepto, el de hacer cosas desde lo pequeñito, sí podían tener cabida. Creo que por eso también todo ese acercamiento a los instrumentos tradicionales y a la música popular, no tanto por querer hacer un ejercicio de estilo, sino porque en este momento eran los mejores acompañantes para las canciones que estábamos haciendo.

(P): Vetusta Morla es un referente del panorama musical español que tiene un estilo reconocible. En este disco, introdujisteis sonidos electrónicos, otros géneros... ¿Cómo es ese momento en el que decidís lanzaros a meter todo esto?

(R): La pandemia ha marcado claramente una línea divisoria entre dos épocas que no sé muy bien si empiezan o terminan ahora... esa relación entre lo viejo y lo nuevo, viejomundo y nuevomundo, lo de antes y lo de ahora, "la vieja normalidad"... Quizá todo se va transformando y no hay líneas tan claras, pero siempre que nos encontramos en una sensación de abismo se tiende a mirar hacia atrás para recolocar ciertas cosas y agarrarlas para poder mirar con seguridad al futuro. La música popular o folclórica no deja de ser una especie de cable que conecta distintas generaciones. Las nanas que te cantaba tu abuela se las cantas a tus hijos; es una manera de tejer puentes entre generaciones. Muchas veces se confunde el mirar hacia atrás, a lo popular con hacer arqueología; "esto tiene que ser así porque así lo hizo no sé quién". Lo grande de lo popular es que se va modificando y es una buena llave para mirar al futuro. La transformación de lo popular también se hace con vistas al futuro y a las nuevas generaciones.

La pandemia ha marcado una línea divisoria entre dos épocas que no sé muy bien si empiezan o terminan ahora: viejomundo y nuevomundo

(P): ¿Ha habido algún tipo de intención de llevar la música popular a las nuevas generaciones?

(R): Hay gente importantísima que hace este tipo de cosas (folclore, música popular) muchísimo mejor que nosotros y lleva toda su vida dedicada a eso. No ha habido una intención de ser transmisores de nada porque hay gente que lo está haciendo desde el principio. Somos una banda que ya tiene unos años de trayectoria, hemos visto pasar distintas etapas, modas y, por qué no, también generaciones en los conciertos. Se empieza a ver 2 o 3 generaciones de gente que ha ido conociendo a Vetusta y eso es algo muy bonito, hacer algo que transciende, no en el sentido de ser mejor o peor o importante, sino que no es algo de usar y tirar, es algo que queda ahí y sirve como material con el que se comunican padres e hijos o hijos y nietos. Ahí hay un punto en el que nos sentimos parte de eso que se llama música popular, aunque hagamos distintos estilos. Es muy bonito sentir que somos parte de la música popular, ya que no dejan de ser canciones que se comparten entre las personas y acaban formando un poso cultural y social. En este caso, cuando hablamos de la música popular de los pueblos, el folclore, también su música se utiliza en momentos concretos, como pueden ser los rituales de celebración, las verbenas, los rituales de despedida, entierros, y hemos dejado de vivir eso durante este tiempo, quizá más cerca de la pena pero con el deseo de esa vuelta de la alegría y la celebración. Ambas cosas han estado muy presentes en los últimos dos años como para pasarlas por alto, para nosotros han sido un foco muy importante más allá de decir, "quiero reivindicar la música de este sitio".

(P): Teniendo un público tan grande... ¿Pensasteis que era arriesgada esta propuesta o puediera no gustar?

(R): Esto va de lo que comentaba de mirar al pasado pero con la mirada en construir canciones para el futuro, pensando que tienen que ser canciones de Vetusta y no un cambio de estilo. Tenían que ver con eso, “voy a hacer que suene como no suene normalmente”. La experiencia me ha hecho también construir sonidos y lo electrónico nos permite hacer música popular ahora que no tiene nada que ver con la que se hacía hace 50 años. Sería cínico decir que nos da igual lo que piensa la gente, pero como es algo que es tan arbitrario, relativo y depende de tantas cosas... al final estás más pendiente de lo que piensa la gente cuando estás haciendo promoción que cuando estás haciendo canciones, que estamos en un búnker creativo y es el lugar más bonito de todo esto. Ahí, por lo menos en nuestro caso, no se cuelan nunca el "esto va a funcionar o esto no". Vamos picando de intuición y de hacer cosas que nos gustan a nosotros y luego las vamos poniendo en contexto, sin más.

Vetusta Morla - Finisterre

(P): Finisterre fue el primer single, una canción que tiene todos estos componentes, y también sonidos electrónicos. ¿Por qué la elegisteis para empezar este viaje?

(R): Nos parecía que era una buena nota de prensa del disco sin tener que escribir ni una palabra (risas). Salir con Finisterre era una llamada de atención. Aparte de que la canción nos gusta mucho, había bastante de lo que luego íbamos a ir desarrollando, además teníamos la posibilidad de ir tocándola en la gira de verano con distintos músicos tradicionales de cada lugar. La hemos tocado con la gente de Palencia, Burgos, e incluso pandereteiras de Asturias y Galicia. Hacer esto fue hablar de lo que queríamos hablar sin tener que escribir un solo tuit, sino viéndolo y sintiéndolo, con la gente dándose cuente de cómo casa una cosa con la otra. Ha sido muy divertido y natural.

(P): Corazón de Lava tiene un carácter mágico y misterioso, una intro casi cinematográfica: es una canción que te transporta.

(R): Tiene un punto de representación casi. Es la única canción que está armada desde el piano, que le da un toque de solemnidad y ritual que parece casi una saeta de Semana Santa o algo que tiene que ver con lo sacro. Es casi gregoriano con esas dos voces en pedal, o todas las estrofas con el semitono, que es algo muy andaluz también. Era un poco arriesgado desde el punto de vista de lo que es una canción pop, pero al final el punto importante era decir, "cómo una canción que tiene una letra tan rasgada de romancero y clásico tradicional puede tener cabida en un combo de rock". Creo que es de las canciones que menos intervención han tenido en el punto de vista de manipulación sonora: es guitarra, piano, voz, guitarra eléctrica, bajo y el piano tratado de Jorge haciendo los efectos. Luego le añadimos las cuerdas, pero es de las canciones que grabamos de una manera más directa y fácil.

(P): La virgen de la Humanidad, Puñalada Trapera y Corazón de Lava forman una trilogía de videoclips. ¿Cómo ha sido el proceso creativo de este apartado?

(R):Queríamos hacer una historia que trascendiera al hecho de sacar videoclips. Ya que íbamos a sacar adelantos, hicimos una historia compartida. Nos parecía que esas canciones tenían algo que contar que formaba parte del corazón del disco. Contactamos con Patrick Knot, un realizador joven que nos parecía superinteresante y nos hizo la propuesta de las tres historias de la madre y de la hija que se cuentan a través de esas tres canciones. Dentro de poco se podrán ver seguidas. Siempre que queremos hacer algo audiovisual y tenemos tiempo y posibilidades, intentamos que se salga un poco de lo puramente marketiniano de hacer un vídeo para que se vea en YouTube.

(P): La portada y arte del disco son obra de Laura Millán (cuyas obras originales están expuestas en el museo de artes y tradiciones populares de Madrid). ¿Cómo fue trabajar con ella y por qué os gusta cuidar tanto el formato físico?

(R): El formato físico siempre intentamos cuidarlo. En este mundo del formato digital, ya que haces un físico y la gente hace el esfuerzo de comprárselo, hay que intentar darle algo especial. Nosotros habíamos trabajado con Laura en la gira anterior, en Canciones Dentro de Canciones. Formó parte de la dirección de arte de la escenografía y la conocíamos de hace tempo por sus cuadros. A ella le gusta mucho trabajar en estas miniaturas que descontextualizadas se ven a otra escala y trabaja también con elementos iconinos 23:18 muy españoles, dándole una vuelta irónica a muchos de ellos. A nivel instrumental, como habíamos usado algunos más chiquititos y populares que llevados a la canción pop tienen una mezcla grande y se convierte en algo que puede ser tocado en un lugar como el Wanda, nos pareció muy hacer un arte que tuviera que ver con esta escala, y tener al mismo tiempo una mirada crítica o irónica de todo lo que es el disco. El arte es una maravilla, estamos muy contentos. Son cuadros fotografiados, hechos a base de fieltro, con esa idea casi del trazo del collage: juntar distintas texturas, como muy de las casas antiguas, las manchitas esas del suelo que acaban conformando la base de todo.

Trabajar con Manuel (Martín Cuenca, director) fue alucinante. Lo más bonito fue ir creando una orquesta electrónica con los sonidos del agua, el viento, los coches... sonidos que salían de la propia película (banda sonora de La Hija)

(P): ¿Cómo fue la experiencia de crear la banda sonora de la película La Hija, que además ha sido nominada a los Premios Feroz?

(R):Nos llamó Manuel (Manuel Martín Cuenca, director) antes de rodar, nos puso el guion y nos dijo que quería que hiciéramos la banda sonora. Le dijimos que no habíamos hecho, pero aún así estábamos muy convencidos porque le gustaba mucho cómo trabajábamos, la textura de las canciones... y él quería hacer una banda sonora atípica, no de orquesta, sino más electrónica y que utilizase los propios ambientes de la película. Nos pusimos manos a la obra. Fue el proyecto ideal para nosotros en la pandemia. Trabajar con Manuel fue alucinante, fue supergeneroso con nosotros y tuvo una confianza extrema. Lo más bonito fue ir creando una orquesta electrónica con los sonidos del agua, el viento, los coches... sonidos que salían de la propia película. Gracias a eso pudimos construir y hacer música sin tener que ceñirnos al formato de 3 minutos y pico de una canción pop. Tuvimos la suerte de ser reconocidos en los Premios Feroz, y la peli se estrenó justo el mismo día que salió el disco, casualidades de la vida. Ha sido una experiencia estupenda para nosotros.

(P): Es vuestra primera banda sonora, pero una de vuestras canciones, Saharabbey Road, formó parte del programa El Día Después. Muchas personas han unido dos de sus pasiones (fútbol y música) gracias a esta canción.

(R): Totalmente. Fue durante varios años sintonía de cierre. Es lo bueno de las canciones: se unen a cosas que de primeras nunca hubieras pensado y adquieren terceros significados en el momento en que la gente las hace suyas y las conecta con otras cosas. Normalmente lo que hacemos es música intangible y la gente acaba asociándola a sus propias imágenes. Cuando se trata de una película o una banda sonora sucede al revés, ves unas imágenes y tienes que convertirlas en música, es como el camino contrario.

(P): Está en el horizonte el concierto en el Wanda Metropolitano (24 de junio). ¿Cómo lo lleváis?

(R): De momento viéndolo un poco desde la barrera, casi mejor no mirarlo a los ojos porque nos temblarían las piernas demasiado. Lo tenemos ahí y muy contentos con cómo va todo: las entradas, la gente que nos está hablando de esto y las ganas que tienen de ir. Pronto empezaremos a armar todo lo que tiene que ver con el directo de la presentación de Cable a Tierra. Empezamos en Europa en marzo, luego vamos a Latinoamérica en abril, y después habrá más conciertos en España además del Wanda.

(P): Pucho (cantante de Vetusta) dijo en un concierto muy especial en Madrid en 2017: “no sé qué pasará de aquí a 1 año, 2 años, 10 años...” Pues han pasado 4 años desde aquello. ¿Qué tal está Vetusta Morla?

(R): Presentando dos discos: la banda sonora y Cable a Tierra. Eso quiere decir que creativamente estamos en un momento muy bueno y sobre todo con muchas puertas abiertas a nivel de posibilidades de cara al futuro, tanto de composición como de tocar en directo. Estamos en un momento muy guay.

Vetusta Morla


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